Hace del océano una obra de arte

Por Santa Félix

El mar no es sólo un paisaje para Marlén Castor: es origen, inspiración y lenguaje. En cada una de sus obras hay una conversación silenciosa con el océano, una invitación a detenerse, observar y sentir.

Su trabajo no busca únicamente ser contemplado; aspira a generar una experiencia, un momento de plenitud que conecte al espectador con la naturaleza y consigo mismo.

Una vocación que se cultiva

Originaria de Tijuana, Baja California, Marlén Castor Preciado ha dedicado más de quince años a explorar el mundo marino a través de las artes plásticas, regalándonos un recorrido visual por la flora y fauna de la región. Su vínculo con el arte nació desde temprana edad, cuando comenzó a representar a sus escuelas en distintas competencias. “Yo afortunadamente traigo este don desde chica e inicié representando a mis escuelas y logré ganar en varias competencias, y dije, bueno vamos puliendo este talento, porque pienso que siempre hay que estar aprendiendo, pero sobre todo estar practicando”, comparte la artista.

Fue en 2010, después de dedicarse de tiempo completo a la maternidad y acompañar el crecimiento de sus gemelas, cuando decidió enfocarse de lleno en las artes plásticas. Bajo la guía de la maestra Gloria Niebla, Marlén aprendió distintas técnicas de pintura y participó en su primera exposición colectiva con la obra “Libertad”, una pieza que le permitió conectar emocionalmente con la libertad de las personas. La expresividad lograda en esa obra marcó un punto de inflexión en su carrera: fue su primera venta y la puerta de entrada al mundo profesional del arte visual.

Arte que trasciende el lienzo

Desde entonces, su talento ha trascendido fronteras. Hoy, su obra forma parte de colecciones privadas en distintas ciudades de México y Estados Unidos, así como en destinos internacionales como Japón. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales, consolidando una trayectoria que la posiciona como una artista sensible, constante y profundamente comprometida con su discurso.

Convencida de que el arte también es una herramienta de transformación social, Marlén Castor ha llevado su trabajo más allá del lienzo, compartiendo su conocimiento a través de clases de pintura dirigidas a niños, jóvenes y adultos, colaborando con asociaciones y espacios comunitarios. Para ella, transmitir el amor por el arte es tan importante como crearlo.

Inspiración, proceso y propósito

Este 2026 será un año clave en su trayectoria. A partir del mes de marzo presentará una exposición individual en Las Rocas Resort and Spa, para junio expondrá en la vinícola Cuatro Cuatros y en julio llevará su obra a Contemplación Hotel Resort & Spa, en el Valle de Guadalupe. Además, su trabajo formará parte de festivales de arte como Art Fest, Artwalk Rosarito, Beverly Hills Art Show y Art Walk Little Italy en San Diego.

Su proceso creativo está íntimamente ligado al entorno

Marlén suele visitar la playa de Popotla, en Playas de Rosarito, donde recolecta y recicla redes de pesca que posteriormente integra a sus piezas. A través de la técnica mixta de collage, logra efectos tridimensionales que aportan profundidad y movimiento a sus obras.

El mar, las medusas, los desiertos y los fondos textiles son elementos recurrentes en su trabajo. Su inspiración surge de la naturaleza misma: “La creación de la naturaleza misma me inspira por su gama de colores… hay inspiración por todos lados, y quiero plasmar esas postales increíbles”, precisa la artista.

Para Marlén Castor, consumir arte es un acto profundamente humano. “Porque el arte es vida, te transporta, hace que tu mente haga una pausa… es un regalo para la mente y el corazón”, afirma.

Contacto:
Facebook: Marlen Castor
Instagram: marlencastor
Web: marlencastor.com

“Una de las grandes recompensas es que el coleccionista apueste por tu trabajo y lo integre como un elemento más de su atmósfera íntima; que te tiene en su sala, comedor o recámara, eso para mí es el mejor museo donde puede estar mi obra, me siento halagado”

Por Mónica Márquez

A través de sus lienzos, ha puesto en alto el nombre de México en diferentes galerías a las que su arte expresionista ha llegado. Nos referimos a Antonio Proa, un artista plástico originario de Tijuana, cuyo talento y pasión han logrado que su trabajo traspase continentes.

Proa se distingue por su poderoso lenguaje pictórico, siendo sus lienzos una explosión de color y texturas. Su sello personal es su distintiva técnica de goteo (dripping), con la que mezcla óleos y materiales industriales, creando un estilo único y lleno de fuerza.

“Dibujo y pinto desde que tenía 5 años; no fue opción porque mis hermanos eran buenos para el dibujo y la pintura; yo era el menor de 8 hermanos. Empecé a dibujar antes de aprender a escribir, porque así me entretenían en casa: con colores, pinceles, pinturas y hasta plumas BIC”, recordó el artista.

En la escuela primaria, su apellido era sinónimo de dibujo y talento. Era muy común que lo pusieran a cargo de los periódicos murales y que sus compañeros le pidieran dibujos constantemente. Muestra de ese talento temprano, heredado por su abuelo paterno, es que aún hoy, amigos de la primaria y secundaria guardan algunas de sus creaciones.

Dijo que durante la secundaria, tuvo un encuentro más cercano con el arte gracias a su profesor del taller de arte Eduardo Waller, a quien considera uno de sus mentores. “Él me dio mucha confianza porque me pidió que me llevara a varios compañeros a realizar en las escuela diferentes murales, llegamos a hacer un busto de Lázaro Cárdenas”.

No obstante, pese a su gusto y talento por el arte, Antonio estudió Administración de Empresas, refirió. Fue tras un episodio de depresión y ansiedad que se dio cuenta que su verdadera pasión era el arte.

Emprende su camino al arte

Fue alrededor de los 22 años cuando Proa “emprendió el viaje a lo desconocido” -como él dice- e inició formalmente en las artes plásticas.

“Desde que tomé la decisión, ha sido un viaje muy vertiginoso, de muchas satisfacciones, aprendizaje y trabajo que he realizado con mucho gusto. También estudié fotografía, cinematografía, dirección de arte, visagismo, eso ha hecho que la obra tenga mayor sentido e impacto visual”.

Ese impacto visual y esa visión integral le han abierto las puertas del mundo. Desde entonces, su visión global ha logrado que su obra se coleccione en Corea, España, Francia, Alemania, Polonia, Italia, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, San Diego, Arizona, Vermont y en México CDMX, Tijuana, Sonora, Sinaloa, Jalisco y Yucatán, siendo “Hombre Bala Infinito” la más adquirida entre sus coleccionistas.

Y la prueba más contundente de ese alcance internacional llegó recientemente: “En el 2023, 2024 y 2025 estuvimos seleccionados para participar en el Carrousel du Louvre en París como única galería de todo el país y eso te da mucha confianza en el sentido de que sabes que tu obra puede exponerse en cualquier parte del mundo y conocer colegas con la misma pasión por el arte y la pintura es algo fabuloso”.

Grandes recompensas

Proa afirmó que una de las mayores recompensas del arte ha sido el poder convivir y compartir ideas con artistas plásticos de todas partes del mundo. Además, su trayectoria es la prueba viviente de que «si estudias arte, te vas a morir de hambre», demostrando que es un camino lleno de satisfacciones y oportunidades profesionales.

“Una de las grandes recompensas es que el coleccionista apueste por tu trabajo y lo integre como un elemento más de su atmósfera íntima; que te tiene en su sala, comedor o recámara, eso para mí es el mejor museo donde puede estar mi obra, me siento halagado”. 

La influencia de la frontera

De acuerdo con el artista tijuanense, el haber crecido en un entorno fronterizo influyó en su estilo y en su visión del arte expresionista.

“El artista, por su sensibilidad, recoge todo lo que acontece en su ambiente y ecosistema; creo que soy un producto fiel de lo que ha sucedido en las últimas cuatro décadas. Nací en Tijuana y sigo viviendo aquí, he tenido la fortuna de viajar y exponer mis obras por otras latitudes; sin embargo, toda mi inspiración y formación proviene de la mega zona de Tijuana-San Diego”, expresó.

De Tijuana, le inspiran profundamente las corrientes que aquí se manifiestan, agregó. La percibe como una matriz cultural donde convergen tendencias de todas partes de la República Mexicana, un fenómeno que enriquece enormemente y hace extremadamente diversa la obra plástica de la región.

Precisó que artistas como Alfaro Siqueiros, Salvador Dalí y Francis Bacon han influido en su arte expresionista y que, sin duda, admira.

Proyectos para 2026

Para este 2026, Antonio Proa seguirá trabajando para que su movimiento artístico siga su curso por París, Milán y Dubai, además de buscar más eventos en California. También seguirá produciendo nuevas obras y eventos con propuestas y fórmulas nuevas para acercar a más espectadores a su trabajo.

“El reto más grande es mantener un sentido de producción, pero que esté recargado de inspiración genuina”.

“Me gustaría convencer a las nuevas generaciones y a artistas contemporáneos que es posible salir adelante a través del talento natural; si tú sientes en tu interior que puedes aportar algo a cualquier disciplina artística, nuestra obligación es dejarlo todo y explorar ese talento al máximo. Ese es el legado que me gustaría dejar. Un mundo lleno de artistas sería un mejor planeta”, finalizó.

Contacto

Instagram: Art Antonio Proa

Facebook: Antonio Proa | Antonio Proa Studio & Galery

Web: www.antonioproa.com

“A través del arte empiezas a creer en ti mismo, a solucionar, a cambiar de página, a crecer, a avanzar, a aspirar a más; al final de cuentas, también es una formación que te la vas llevando a la vida diaria”

Por Santa Félix

La reconocida artista visual Carmen Ishida se ha dedicado a la plástica por más de veinticinco años transmitiendo el arte, no solo a través de su obra, sino también mediante la enseñanza.

“Las obras nos hablan, nos van diciendo cómo sí, cómo no; aquí más, aquí menos, pero también hay otra parte que es como la inspiración, que no siempre fluye a la velocidad que tú quieres”, comentó la artista.

María del Carmen González Ishida nació en Mexicali y llegó a Tijuana en el 2016, para quedarse y adentrarse al mundo de las artes plásticas a través de la técnica de pintura, cerámica y vidrio mosaico.

Su interés por las expresiones artísticas fue evidente desde muy pequeña, pues prefería los libros para colorear antes que los juguetes tradicionales, como trastecitos y muñecas. “Lo que yo pedía siempre de regalo eran libros de pintar, crayolas, gises y plastilinas, esos para mí eran los mejores regalos del mundo”, compartió Ishida.

Fue en la preparatoria mientras estudiaba técnico en construcción, que tuvo la oportunidad de reencontrarse con el arte. “Fue la mezcla del dibujo técnico y la construcción lo que me hizo reencontrar con el arte; yo estaba fascinada dibujando todo el tiempo”, expresó la artista, egresada de Arquitectura por la UABC.

Sus primeros encuentros creativos fueron mientras estudiaba la universidad, ya que las primeras materias que cursó fueron sobre principios de diseño, y estas eran impartidas por artistas que se dedicaban a la pintura y/o escultura.

Su primera obra

La primera obra que exhibió en una galería llevó por nombre “Reflejos de amor”, una pieza en vidrio mosaico que forma un colibrí, inspirado en la casa de su abuela, ya que tenía un ventanal frente al comedor y mientras comían o platicaban en familia, veían a los colibríes que reposaban sobre la enredadera de flores naranjas que adornaban el marco de la ventana.

En el 2000, el arte de Carmen Ishida se apoderó de diferentes espacios públicos y privados con obras por encargo. En el 2018, empezó a participar en exposiciones colectivas y sus piezas fueron exhibidas en diferentes galerías de México y EE.UU. En el 2025, empezó a impartir talleres de pintura para niños, jóvenes y adultos, en diferentes espacios privados, así como en la Casa de la Cultura de Playas de Tijuana.

Rinde homenaje a Leonora Carrington

Carmen Ishida comentó que próximamente participará en la “Exposición Colectiva 2025, Homenaje de Creativos”, que se llevará a cabo en Puebla y será en homenaje a la vida, obra y legado de la emblemática artista surrealista Leonora Carrington.

En la actualidad, cuenta con algunas piezas en la Galería Bruce Fayman Gallery, ubicada en 2195 Logan Ave. Studio X San Diego, CA 92113. Asimismo, su obra la puedes encontrar en la exposición colectiva “ECOLOGY Black N White + One”, en la Galería de Fallbrook Library, ubicada en 124 South mission road Fallbrook. CA 92028.

Su proceso creativo

La artista mencionó que su proceso creativo depende del tiempo que tiene para entregar la pieza; una obra le puede llevar una semana, un mes o, incluso, un año. Empieza desglosando el tema, lo analiza, se documenta por medio de escritos, así como también visualmente para construir una idea general y hacer bocetos.

“Regularmente cuando estoy pensando y procesando el tema que se va a desarrollar, también estoy pensando con qué técnica o cómo combinar más de una técnica y cómo la quiero representar, por ejemplo, a veces he utilizado textiles, vidrio, acrílico y, últimamente, estoy incursionando en la cerámica”, mencionó.

De acuerdo con la artista, su estilo arquitectónico está presente en sus procesos creativos, desde el campo, la naturaleza, la geometría y el color, estas son sus principales herramientas, son los elementos que la van llevando en una dirección.          

Respecto al elemento que distingue sus obras, dijo que es la geometría y la naturaleza: uno por la formación y el otro, por el medio en el que creció.

El arte da felicidad

“Atrévanse a intentar practicar alguna forma de expresión artística, porque siempre van a tener beneficios de ello, se van a descubrir ustedes mismos, van a encontrar nuevos amigos, un ambiente sano, y estoy segura que si se regalan un tiempo para aprender una forma de arte, van a ser más felices. Los invito a consumir arte, desde música, pintura, obras de teatro, cine, todo es importante.

“A través del arte empiezas a creer en ti mismo, a solucionar, a cambiar de página, a crecer, a avanzar, a aspirar a más; al final de cuentas, también es una formación que te la vas llevando a la vida diaria. Por ejemplo, hay alumnos a los que les da miedo hacer una pincelada libre por temor a equivocarse, y ya después de dos meses me dicen: ‘Si me equivoco, lo vuelvo a hacer’. Son avances enormes, porque tú sabes que eso fue un crecimiento, que ya está implícito y que cuando otra cosa suceda en su vida cotidiana, esa va a ser su respuesta: ‘No importa, lo vuelvo a hacer, lo vuelvo a intentar’”, concluyó Carmen Ishida.

Contacto

Mail:  ishidacarmen@gmail.com

“El arte nos conecta como seres humanos y también como comunidad, como seres libres que somos. También el arte tiene una función de reflexión y a veces con tanta información que tenemos de forma inmediata nos olvidamos de arriesgarnos a tener experiencias diferentes que nos hagan reflexionar”.

Por Santa Félix

Pintor, serigrafista y promotor cultural, se ha dedicado a las artes por más de veinte años, compaginando la promotoría cultural con las artes plásticas en Tijuana-San Diego, nos referimos a Benito del Águila, un artista que nació en la Ciudad de México y llegó a Tijuana en 1983.

Su interés en las artes estuvo presente desde muy temprana edad, ya que en secundaria y preparatoria siempre le gustó dibujar, así como también le gustaba la música, por lo que intentó dedicarse a las artes musicales. Sin embargo, tres años después de haberse dedicado a su profesión de Ingeniería, decidió iniciar en el mundo del arte por medio de la gestión cultural.

En el 2009, Benito del Águila dio un gran paso al abrir su primera galería de arte mexicano Baja Gallery en el Hotel Rosarito Beach, donde dio espacio por más de siete años a los artistas de la localidad para exponer su arte.

Sin embargo, su interés en las artes plásticas seguía muy latente y aprovechaba cada fin de semana para dibujar, pintar y hacer obra, mientras dirigía exitosamente su carrera como gestor cultural. Fue hasta el 2016 que sus pinturas tuvieron la oportunidad de ver la luz al ser parte de la primera colección individual “Mitología del Subconsciente”, misma que le abrió las puertas para seguir exponiendo no solo en México sino también en EE.UU.

“Realmente mi primera exposición como artista plástico fue debido a la cancelación de un artista que iba a exponer en el Lugar del Nopal, entonces Patty Roa, quien coordinaba la galería, me invitó a exponer mi obra y me llevé la gran sorpresa que se vendió el 85% de mis piezas”, comentó el artista.

Artista y promotor cultural

A lo largo de estos años ha compaginado su carrera artística con la promotoría cultural. Actualmente, cuenta con la galería Rosarito Art Factory desde el 2024.

Desde el 2011, funge como director del Art Fest, ahora conocido como Art Walk Rosarito, festival de arte que se lleva a cabo en Playas de Rosarito, con el objetivo de promover el arte y la cultura de la región.

Del Águila es egresado de Ingeniería en Sistemas Electrónicos por el Centro de Enseñanza Técnica y Superior, dicha licenciatura le enseñó herramientas que más tarde aplicaría en sus proyectos artísticos y de gestión cultural. Posteriormente, cursó la Maestría en Promoción y Desarrollo Cultural por la Universidad Autónoma de Coahuila y un Certificado en Negocios para las Artes y Organizaciones Culturales sin Fines de Lucro por la Universidad de San Diego.

Cuenta con más de veinticinco exposiciones colectivas e individuales en México y EE.UU., así como también cuenta con más de dos décadas como miembro activo en la comunidad artística y cultural de Tijuana-San Diego. Además, es cofundador y codirector del Latín American Art Festival en San Diego.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Inicio haciendo tanto pequeños collages como dibujos y de ello encuentro algo que me gusta, que me llama la atención, y lo hago en grande, para después convertirlo en una obra de arte.

Me gusta coleccionar material muy diferente, desde revistas antiguas, revistas de la lucha libre, postales de los treinta, periódicos de los años cuarenta, de los años noventa, etiquetas de cerveza, etc., así como timbres mexicanos antiguos por sus colores vibrantes y todos esos elementos antiguos y modernos, que me ayudan en el lenguaje visual, lo que quiero expresar.

¿Cómo definirías tu estilo y por qué?

Pop art mexicano, el cual se refleja en cada una de mis obras, por la paleta de colores vibrantes que utilizo como el rosa mexicano, azul talavera y verde bandera. Así como también por los personajes históricos de la cultura mexicana como: María Félix, Emiliano Zapata, entre otros., y los elementos que manejo en cada una de mis obras.

¿En qué te inspiras?

“Hay temas que me preocupan, que permiten expresarme. Temas actuales como la diversidad, violencia y equidad de género. De igual forma, me interesa mucho hablar sobre la vida de esta frontera binacional, la dinámica cultural y social que vivimos en la región Cali Baja”, confirmó el artista.

¿Cuál crees que es el elemento que distingue a tus obras?                          

La mística, la mayoría de mis cuadros tienen inspiración religiosa, un resplandor, un halo de luz, trato de darle un misticismo a los personajes.

¿Qué proyectos tienes en puerta?

El próximo 17 de diciembre se inaugurará mi siguiente exhibición individual “Shadows and Sanctuaries: Hidden Gods of the Valley”, en el Borrego Arts Institute, ubicado en 665 Palm Canyon Dr, Borrego Springs, CA 92004, Estados Unidos.

¿Por qué consumir arte?

Esa conexión que nos hace tan humanos es la sensibilidad, ese contacto social que ya se está perdiendo por tanta tecnología. El arte nos conecta como seres humanos y también como comunidad, como seres libres que somos. También el arte tiene una función de reflexión y a veces con tanta información que tenemos de forma inmediata nos olvidamos de arriesgarnos a tener experiencias diferentes que nos hagan reflexionar.

Mensaje a los lectores

Debido a la cotidianidad se nos olvida darnos la oportunidad de tener la experiencia de estar con uno mismo, una experiencia diferente, de arte, visitando algún museo, una exhibición, algo que te permita conectar con los sentimientos, con la sensibilidad, precisamente es algo que nos hace tan humanos. 

Contacto

Web: losnaguales.com

Instagram: @benito_del_aguila

“Me gusta jugar con piezas individuales, como un ejercicio creativo y las voy elaborando de acuerdo a lo que voy sintiendo, dejándome llevar por esa corazonada. Voy acomodando las piezas, los colores como mi ojo y mi sentir me dicen”.

Por Santa Félix

La artista visual Ana Celia Pérez Jiménez utiliza la técnica del collage para explorar las diversas circunstancias de la vida humana. A través de su proyecto Galisismo, ha creado obras que reflejan temas como el crecimiento, la desilusión y el papel de la mujer en la sociedad.

Ana Celia Pérez Jiménez es una artista que nació en San Diego y se nacionalizó mexicana. Actualmente vive en Tijuana, ciudad que le ha dado la oportunidad de desarrollarse en las artes visuales desde el 2020, año en el que expuso su primera colección “Poesía Oculta” en línea y vendió sus primeras obras de arte.

“En la primaria, amaba forrar libretas: las de mis hermanos, las de mis amigos, siempre me gustó ese medio de expresión”, recordó la artista.

Su interés en las expresiones artísticas estuvo presente desde muy temprana edad, ya que le gustaba hacer tarjetas de cumpleaños, envolver los regalos de una manera muy diferente a la convencional, le gustaba mucho reutilizar las revistas y los recortes, para después jugar con ellos y crear arte.

“Se me dio mucho la escritura desde niña, me gustaba hacer poemas y les hacía un marco que fuera muy a doc al poema. Desde niña, siempre fui jugando mucho con la expresión escrita y la expresión de imagen”, comentó la artista.

Su primera colección

Ana Pérez es egresada de la licenciatura en filosofía y letras por la Universidad Autónoma de Chihuahua, dicha licenciatura le enseñó sobre procesos, mismos que le ayudaron a dar el primer paso e iniciar el proyecto Galisismo, el cual consta de obras originales en collage y técnica mixta; ilustración digital; expresiones colectivas e individuales y talleres de arteterapia.

Del proyecto Galisismo se desprende la serie “Esdrújula”, primera exposición individual que se llevó a cabo el 8 de diciembre del 2023 en Doratto, ubicado sobre la avenida Revolución, entre calle Sexta y Séptima (frente a lo que era Cine Tonalá) en la Zona Centro de Tijuana.

¿Recuerdas cuál fue la primera obra?

Las primeras piezas eran muy saturadas porque me encanta lo saturado, pero dentro de ello encontraba ese balance, ese concepto de algo para que la gente pudiera decir: “mira, aquí habla de romance, de crecimiento, de desilusión, aquí habla de la mujer…”. Entonces, en las primeras obras, me gustaba más que fuera la suma de todo eso, quería un brote muy específico.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Con el paso del tiempo fui madurando en los procesos, me gusta darme tiempo para que aterricen muchas ideas o experiencias, para ver de qué quiero hablar, qué quiero expresar en la segunda pieza o segunda colección.

Me gusta jugar con piezas individuales, como un ejercicio creativo y las voy elaborando de acuerdo a lo que voy sintiendo, dejándome llevar por esa corazonada. Voy acomodando las piezas, los colores como mi ojo y mi sentir me dicen.

“Hay piezas que me gusta ir improvisando y hay otras colecciones que me gusta planearlas, porque siento la necesidad de tocar un tema o hablar de una emoción, de una cuestión o de una respuesta.

En el estudio, tengo divididas las revistas por tema de casas, abstractos, por colores, imágenes. Cuando voy a empezar a trabajar, selecciono 3, 4 o, 5 revistas de acuerdo a la idea que quiero expresar. Trabajo sobre Medium Density Fiberboard MDF porque es más resistente a la goma de lápiz adhesivo y resina.

¿Cómo definirías tu estilo y por qué?

Collage analógico, porque me gusta la expresión que te da y el poder trabajar con las manos, con el exacto, con las tijeras, sellar con resina.

¿En qué te inspiras?

Depende de lo que quiera decir, a veces digo: “se me antoja hacer algo con colores”, y empiezo a imaginar; ya que tengo la idea, voy a buscar todos los recortes que tengan que ver con esa idea. Me voy paso por paso cuando es en pieza.

Cuando ya es en colección, me gusta tener un mensaje detrás o algo que voy a explorar; después, busco información al respecto, digamos que quiero hablar sobre la desesperación, entonces me pongo a investigar sobre qué es la desesperación, de dónde viene la etimología, qué representa, me gusta mucho leer y encontrar todos los significados y  las rutas. Ya teniendo la información, empiezo a hacer cuadros, entonces sé que viene de esa inspiración y viene de esa representación.

Me inspira la mujer, lo femenino, me gusta mucho la expresión. Me gusta hablar de la mujer, no de la musa, si no de la que habla, de la que acciona, de la que está cambiando el mundo.

¿Cuál crees que es el elemento que distingue a tus obras?                          

Las mujeres, el tipo de saturación que utilizo y que sello con resina. Me gusta la resina porque queda como si fuera solo una imagen.

¿Hay algún artista plástico que admires, cuál y por qué?

Me gustan los artistas que dominan tanto la técnica, que la pueden romper y crear su propio estilo.

¿Qué proyectos tienes en puerta?

A partir del 11 de septiembre podrán encontrar la nueva colección de arte “Epicúreo”, en 31 THIRTYONE by Deckma´s, ubicado en 3131 University Ave, San Diego, CA 92101, Estados Unidos.

Mensaje a los lectores

Los miedos nunca van a parar, el miedo es algo natural del ser humano, es algo del instinto, de la supervivencia, pero con todo y miedo, si la corazonada, lo que tu ser más antiguo y más sabio de ti te está diciendo que es sí, debes hacer las cosas, siempre y cuando sea para un bien.

Tener la confianza de que las cosas por algo suceden, no quiero sonar con esa falsa positividad, pero si tomamos todas las cosas buenas y malas como un escalón y como una lección, vamos a llegar a donde queramos.

Contacto

Instagram: @galisismo

Correo: annacpj13@gmail.com

“La historia no podría ser lo que es sin el arte, en cada capítulo de la historia vamos a encontrar que el arte influye mucho, pero mucho más de lo que nosotros creemos”

Por Santa Félix

La artista visual María del Rocío Torres Maura, con más de 25 años de experiencia, nos adentra a un mundo de sueños y realidades, de texturas y colores brillantes, por medio del arte.

Rocío Torres nació en el Distrito Federal, ahora conocida como la Ciudad de México, llegó a Tijuana en 1990, lugar que le dio la oportunidad para desarrollarse en las artes plásticas.

Su interés en las artes estuvo presente desde los 4 años y a pesar de que no exteriorizaba ese interés a su familia, se arriesgó participando en un concurso a nivel estatal cuando cursaba el último grado de primaria, concurso que le valió el tercer lugar.

Posteriormente, entró a trabajar al Canal 11, televisora que le dio la oportunidad de estar en contacto con diferentes artistas, desde pintores, escultores, escritores y músicos. “Fue ahí donde me di cuenta que esa era mi vida” mencionó Rocío.

Fue en 1991, después de dedicarse a ser mamá de tiempo completo, que decide alternar su tiempo entre biberones y pinceles al inscribirse en el taller de arte que impartía la maestra Azucena Castañón Puga, donde aprendió diferentes técnicas de pintura a lo largo de cinco años y tuvo la oportunidad de participar en su primera exposición colectiva.

Después participó con el colectivo Diego Rivera, en la exposición “La Mujer en el Arte”, con la obra “Pajarero”, dicha exposición se llevó a cabo en 1997 en el Hotel Camino Real, ahora conocido como Real Inn.

Más tarde, tomó clases con el maestro Juan Zúñiga, quien posteriormente se convertiría en su mentor y aliado en las artes. Fue él quien la retó a enfrentarse y aceptar lo que realmente ama hacer: pintar.

¿Recuerdas cuál fue la primera obra que pintaste?

Mi primera obra “Pajarero”, una pieza que nos habla sobre la poca libertad que tienen nuestros pueblos indígenas.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Depende del tema que esté pidiendo el espacio donde voy exponer la obra, pero cuando es un tema que puedo elegir lo disfruto aún más porque es algo que me sale del alma. Cuando me dan el tema, primero me gusta investigarlo a fondo, después sale la idea y se va desarrollando con bocetos, formas, colores y luego se va transformando, hasta llegar a lo que está solicitando la galería.

Cuando es una obra con tema libre, primero veo que quiero comunicar y me adentro en el tema, me gusta explorar estilos y trabajar diferentes técnicas desde pasteles, carbón, acuarelas, óleo y acrílico, este último es el que más utilizo.

¿Cómo definirías tu estilo y por qué?

Expresionismo, con tintes de surrealismo. La mayoría de las obras tiene colores vivos y brillantes.

¿En qué te inspiras?

Definitivamente, me inspiran mucho los temas sociales. Desde la ecología, la mujer, así como temas indígenas, de esta última me inspiran sus esculturas y la danza.

¿Cuál crees que es el elemento que distingue a tus obras?                          

La mujer, los árboles, la naturaleza y la firma ChioTo.

¿Hay algún artista plástico que admires y por qué?

Admiro a diferentes artistas por sus técnicas y habilidad en las artes. El Greco me encanta porque es uno de los primeros expresionistas en su época, sin saberlo y sin que se conociera como tal. En sus obras siempre había mucha emoción, expresión y hacían remover las emociones a los espectadores. Hacía cosas que en sus tiempos ninguno de los otros artistas hacía”.

Me encanta Leonora Carrington, por su mundo tan mágico, por sus figuras femeninas y la naturaleza, lo místico y espiritual, manejaba seres fantásticos, creando su propio universo.

¿Qué proyectos tienes en puerta?

Próximamente participaré en la “Exposición Colectiva 2025, Homenaje de Creativos”, que se llevará a cabo en la Ciudad de Puebla y será en homenaje a la vida, obra y legado de la emblemática artista surrealista Leonora Carrington.

Mensaje a los lectores

“Asistan a las exposiciones, lean, documéntense sobre los grandes artistas. La historia no podría ser lo que es sin el arte, en cada capítulo de la historia vamos a encontrar que el arte influye mucho, pero mucho más de lo que nosotros creemos. Es a través del arte que se han logrado maravillas históricas, sociales, por eso es importante documentarse y consumir arte.

Datos del contacto

Correo: chioto71@gmail.com, ro_art_@hotmail.com

Insta: https://www.instagram.com/rocielago/

“Las redes sociales han jugado un papel fundamental para que Los Garabatos estén hoy donde están, pero ha sido el trabajo constante y la dedicación lo que realmente ha marcado la diferencia. Siempre he creído que el talento existe, pero si no lo compartes, se queda guardado en un cajón”

Por Mónica Márquez

Hace apenas dos años, lo que comenzó como una casualidad se transformó en la vibrante pasión de Lilian Camarena Avila: el arte de pintar ventanas y crear murales. Esta joven artista tijuanense de 27 años no solo ha encontrado su vocación, sino que ya sueña en grande con cada trazo.

“Empecé con clases de pintura desde los 8 años; después, por muchos años, trabajé dando clases de pintura en Imagina de Roxana Díaz. Eventualmente, estudié Ingeniería Industrial, entonces el arte siempre estuvo en paralelo; mi sueño nunca fue ser artista, porque solo era mi hobby, yo quería ser ingeniera”, recordó.

Pero la vida tenía otros planes para ella, porque siendo pandemia y contando con mucho tiempo libre, reconectó con el arte y tuvo su primer emprendimiento que se llamaba La Raíz Feliz, en el cual pintaba macetas, les ponía una planta y las vendía en los bazares.

Se graduó de la universidad y a la par continuó con su emprendimiento, pero en el 2023, en facebook preguntaron si alguien decoraba ventanas. «Había visto videos de personas de otros países pintando ventanas y siempre me pareció algo increíble, pero no fue hasta que alguien preguntó en un grupo de Facebook si conocían a alguien que hiciera ese trabajo, que conecté las ideas y pensé: ‘Tengo lo necesario para lograrlo’. Y fue ahí cuando me dieron la primera oportunidad».

Su primera ventana fue la del Pollo Loco en diciembre de 2023, y aunque de inicio creyó que sería un proyecto único y de oportunidad, hoy se ha convertido en una de sus grandes pasiones.

«Lo compartí en redes sociales y, para mi sorpresa, el video mostrando el proceso se volvió viral. A partir de ese momento, distintos negocios comenzaron a pedirme cotizaciones. Con mucha emoción y determinación, empecé a agendar ventanas decoradas con mis garabatos navideños. Desde entonces, no he dejado de llenar de color las ventanas de negocios tijuanenses. Dejé atrás mi trabajo como ingeniera y hoy, con orgullo, puedo decir que soy una ingeniera retirada», expresó con una sonrisa.

“Las redes sociales han jugado un papel fundamental para que Los Garabatos estén hoy donde están, pero ha sido el trabajo constante y la dedicación lo que realmente ha marcado la diferencia. Siempre he creído que el talento existe, pero si no lo compartes, se queda guardado en un cajón. Atreverse a mostrar tu trabajo (incluso algo tan simple como publicar una foto) puede abrirte la puerta a oportunidades increíbles”, puntualizó.

Nace Garabatos by Lily

En 2023 nació lo que Lily considera su “bebé creativo”: un proyecto que surgió de manera orgánica durante un viaje, en busca de su propio estilo como artista, luego de haber tenido su emprendimiento pintando macetas. Para pasar el tiempo, llevó consigo una libreta y acuarelas, sin imaginar que ahí comenzaría a desarrollar el estilo que más tarde bautizaría como “Garabatos”.

“Son trazos imperfectos, era como mi diario de viaje, todos los días, lugares que me inspiraban o me gustaban los plasmaba en mi libreta; entonces, el darle ese lado imperfecto fue lo que me inspiró a que yo le diga garabatos, pues describe muy bien lo que quiero dar con mi arte: ese mensaje de que el arte no es perfecto, nada está bien o está mal. Cada proyecto es distinto y cada garabato es distinto.

Su proceso creativo

La mayoría de las ventanas que Lily decora las realiza de manera intuitiva y personalizada, tomando en cuenta aspectos como la ubicación de las ventanas, la temporalidad de la decoración y la esencia que el cliente desea transmitir, buscando siempre una conexión genuina entre el espacio y el arte.

“Tengo la fortuna de que mis clientes confían muchísimo en mi creatividad. Una ventana promedio me toma entre 4 y 5 horas y una grande entre 9 horas hasta dos días”, expuso.

El sello distintivo de la artista ha embellecido las ventanas de reconocidas marcas como Marriott, Xolos, Plaza Península, Fenner Foods, Pollo Loco y Donas Venecia. Además de trabajar en activaciones de marca con Clinique, Ferragamo y MAC. Sin embargo, su visión va más allá: anhela plasmar su arte en innumerables ventanas, motivada simplemente por la alegría de crear y embellecer.

Desde hace un año, además de pintar ventanas, realiza murales;  aunque disfruta ambos formatos, admite que crear arte en ventanas sigue siendo su favorito, ya que al ser obras temporales, le brindan una libertad creativa distinta y la posibilidad de reinventarse constantemente.

“Ver mi arte en las ventanas es super lindo, cada garabato es mi bebé, dejo un cachito de mí ahí. Es padrísimo que alguien se acerque a mí y me diga: vi el garabato a lo lejos y supe que era tuyo. Siento que algo muy difícil como artista es poder definir tu estilo y que te reconozca por algo”, expuso.

Sus proyectos

En su futuro cercano, Lily busca colaborar con más marcas a través de sus característicos garabatos en ventanas o murales, con la intención de seguir compartiendo su arte y llevando inspiración a artistas de todo el mundo.

Además, adelantó que está trabajando en el lanzamiento de un curso en línea, pensado para llegar a más personas interesadas en aprender su técnica y acercarse al mundo de los garabatos en vidrio.

“Si eres una persona que quiere vivir del arte, sigue tu corazonada, practica mucho y publica mucho, porque nunca sabes quién está del otro lado del teléfono”, compartió como mensaje final dirigido a los jóvenes creadores.

Contacto

Instagram y tiktok: @garabatosbylily

Correo: garabatosbylily@gmail.com

La arquitecta era una mujer dedicada 100% al muralismo. Siempre sorprendía con distintos trabajos en diferentes puentes y paredes de la ciudad

Por Jaime Cháidez Bonilla

Este domingo 1 de junio se confirmó la muerte de la pintora tijuanense Ariana Marisol Escudero Curiel. Desde el pasado mes de enero, a Ariana se le había diagnosticado un cáncer cérvico uterino. En la primera semana de mayo fue internada en el hospital y parecía que se estaba recuperando gradualmente, pero la lamentable noticia comenzó a circular.

La arquitecta Ariana Escudero pasaba largas jornadas al aire libre, contra viento y sol, para finalmente mostrar sus homenajes a conocidos personajes, como el voceador Pepe Nacho, el escritor Carlos Monsiváis y el maestro Rubén Vizcaíno Valencia, entre otros.  Era una mujer dedicada 100 % al muralismo. Siempre sorprendía con distintos trabajos en diferentes puentes y paredes de Tijuana.

Sus murales

 En 2011, por ejemplo, hizo una reproducción fiel de Pepe Nacho, Tello Martínez Miranda, un popular voceador que vende periódicos a la altura del puente de la calle Segunda. La reproducción gigante de este voceador se advierte con su característica nariz roja y gran sombrero, al tiempo que muestra un ejemplar del periódico El Mexicano con un amable titular: “No goza de lo que tiene, por ansia de lo que espera”.

 En 2012, Ariana volvió a sorprender con la realización de un mural dedicado al mítico escritor mexicano Carlos Monsiváis (“Amor perdido”), en la calle Primera del centro de Tijuana. Durante varias semanas, la muchacha emprendió jornadas de trabajo que la mantuvieron delineando los símbolos que caracterizaron la vida de Monsi: gatos, la familia Burrón, Tin Tan, Tongolele, sus amigos tijuanenses y una de sus frases clásicas: “Soy un gato sin gracias y sin siete vidas”.

 Entrevistada en aquella ocasión dijo: “Para mí es muy importante este trabajo por el tipo de personaje que estoy pintando. Además de ser el mural más grande que he realizado en mi carrera, es un tema que será visto a nivel nacional. Tengo entendido que el señor Monsiváis solo está en otro mural en la ciudad de México, al lado de la Familia Burrón. Por eso, estoy enfocada en realizar un buen trabajo y lo estoy disfrutando; es un gran reto lograr plasmar la esencia del escritor y otro, el andar trepada en los andamios durante todo el día”.

Mural dedicado a Rubén Vizcaíno Valencia

Hace unos años, en el marco de los festivales de cultura Jornadas Vizcaínas y Tijuana Interzona, Ariana inauguró un gran mural dedicado a Rubén Vizcaíno Valencia. Nuevamente, durante un mes, Ariana soportó el fuerte sol, arrebatados vientos y el clima cambiante, para ir detallando la figura del maestro universitario.

“Había maestros que se acercaban para decirme que habían conocido a Vizcaíno y me contaban anécdotas de él; y también había alumnos que me preguntaban quién era el personaje que estaba pintando” expresó la artista tijuanense.

En el mural de Vizcaíno se aprecian varios detalles que formaron parte de este personaje que vivió en Tijuana de 1959 a 2004. Uno de sus libros, el logotipo del Seminario de Cultura Mexicana, su cámara fotográfica, la Reina Calafia, la portada del suplemento cultural IDENTIDAD y una de sus frases: “A orillas del río Tuxpan escuché por primera vez la palabra Tijuana”.

Parte de su legado

Otro de los murales de esta joven, egresada del Instituto Tecnológico de Tijuana, pueden ser observados en el malecón de Playas de Tijuana, en la colonia Camino Verde y en la colonia Alemán. En Playas de Tijuana pintó a un trío característico de música norteña (Cuando me besas de todo me olvido); en la colonia Camino Verde dibujó a una familia de origen humilde que forma parte de un proyecto social que ha regenerado visualmente el lugar; y en la colonia Alemán, su mural está dedicado a la protección de animales, junto a una veterinaria del lugar.

Ha muerto la muchacha que pintaba murales en Tijuana. Descansa en paz, Ariana, descansa.

“Tomo el lápiz, el cuaderno y empiezo con bocetos; seguido, realizo los trazos a los que les agrego mi sello particular que llevan todas mis pinturas. Después de crear la primera idea, los paso al canvas. Me alimenta pintar, hacer acuarela y dibujar casi todos los días”

Por Santa Félix

En esta edición, tenemos el privilegio de adentrarnos en el fascinante mundo de Maritza Isabel, una destacada artista tijuanense cuya trayectoria es un testimonio de pasión, perseverancia y talento. Desde sus inicios en la Casa de la Cultura Altamira hasta la consolidación de su propio estilo, Maritza nos compartirá los hilos que tejen su proceso creativo, sus inspiraciones y su visión del arte contemporáneo.

Maritza inició en el arte a los 16 años mientras estudiaba Historia del Arte y Diseño en la Casa de la Cultura Altamira, lugar donde también formó parte del grupo Círculo de Arte 15 y Centenario de Tijuana, así como del Taller de Serigrafía, el cual le dio la oportunidad de participar en la primera exposición en 1979, siendo esta el inicio de una larga trayectoria en el mundo de las artes.

Fue en el 2000, después de dedicarse de tiempo completo a ser mamá, que retomó su carrera en las artes plásticas, participando en una exposición colectiva en el Colegio de la Frontera Norte, la cual está compuesta por monotipos realizados en Art Graphics L.A y fue adquirida por el COLEF.

En 2005, Maritza Isabel dio un gran paso al abrir su academia de arte «Colorarte» en la colonia El Mirador. Años después, compartió su pasión enseñando pintura en la Casa de Cultura Playas de Tijuana. Finalmente, consolidó su trayectoria al registrarse como pintora independiente bajo el nombre de MaritzaIsabel_Art.

Su primera obra

La artista plástica dijo que la primera obra fue una pintura al óleo combinada con carbón. Esta pieza no solo le permitió participar en su primera exposición, sino que también le abrió las puertas a una trayectoria internacional, llevando su arte a países como España, Francia, Italia, Mónaco, Suiza, Alemania, Austria y Chefchaouen, en Marruecos.

Su proceso creativo depende del trabajo que vaya a realizar, ya que cuando es una comisión la realiza de acuerdo a las necesidades del cliente, mientras que, si es para una exposición, tiene la oportunidad de utilizar diferentes técnicas.

“Tomo el lápiz, el cuaderno, y empiezo con bocetos; seguido realizo los trazos a los que les agrego mi sello particular que llevan todas mis pinturas. Después de crear la primera idea, los paso al canvas. Me alimenta pintar, hacer acuarela y dibujar casi todos los días”, compartió.

Su inspiración surge de la botánica, las personas y las flores, así como del entorno en el que se encuentra. A menudo, incorpora un elemento representativo del lugar en sus obras, desde hojas del Central Park en Nueva York hasta arena de África, creando una conexión única con cada sitio.

Estilo contemporáneo

De acuerdo con Maritza, su estilo contemporáneo se refleja en cada una de las obras, por la diversidad de técnicas, elementos y temas que aborda en cada una de ellas. Sin embargo, su habilidad en el trazo arquitectónico y delicada forma lineal siempre prevalecen en sus obras, para deslizarse por una figura humana, la playa, las flores y los frutos, creando obras de arte que nos enamoran la vista y nos alimentan el alma.

Las obras se distinguen por su originalidad, así como sus creaciones únicas e irrepetibles, contando cada obra con el mismo certificado de autenticidad que confirma su creación.

Mencionó que admira a diferentes artistas por sus técnicas y habilidades en las artes plásticas, así como por el uso de la luz y sombra del pintor y grabador Neerlandés Rembrandt. También admira al pintor francés Claude Monet, por el uso de sus flores y colores, así como al pintor méxicano Rufino Tamayo, quien es un gran ejemplo por su movimiento muralista y su propuesta artística que combinaba elementos de la tradición precolombina con influencias del arte moderno europeo.

Sus obras por el mundo

Las piezas de arte de Maritza Isabel se encuentran en diferentes partes del mundo. Actualmente, cuenta con obras en Allec Petrescu Gallery de San José del Cabo B.C.S., así como en Yerbabuena Concept de Tijuana B.C., en Adelman Fine Art Gallery de San Diego EE.UU. y en Barrio Meshica de París FR.

“Apoyen a los artistas, visítenlos y conózcanlos porque hay mucha creatividad y, sobre todo, consuman obra de Baja California y háganse coleccionistas de arte bajacaliforniano. 

Contacto

Instagram: maritzaisabel__art

“A partir de la pandemia, empecé a trabajar con la chaquira, soy autodidacta; en ese tiempo, les platiqué a mis hijos (Martín, Benjamín, Leonel, Luis y Lorenzo) el proyecto de arte que tenía en mente desde hace tiempo. Me apoyaron con el material y así empecé en el 2020”

Por Mónica Márquez

Lorenza Pacheco Murillo ha encontrado en la chaquira, el diminuto material que da vida al arte huichol, un lenguaje propio. Sus cuadros, meticulosamente elaborados, son mucho más que una muestra de habilidad técnica, son una ventana a la visión de un pueblo que ha sabido preservar sus tradiciones a través del arte.

Originaria de Acaponeta, Nayarit, Lorenza, de 66 años, inició con esta práctica artística hace 5 años, cuando el mundo se paralizó debido a la pandemia, aunque desde los 12 años mostró su inquietud artística. En ese tiempo, hizo un pastor alemán tamaño media carta, lo enmarcó y, por años, permaneció colgado en la sala de la casa de sus padres. 

“A partir de la pandemia, empecé a trabajar con la chaquira, soy autodidacta; en ese tiempo, les platiqué a mis hijos (Martín, Benjamín, Leonel, Luis y Lorenzo) el proyecto de arte que tenía en mente desde hace tiempo. Me apoyaron con el material y así empecé en el 2020.

“Mis hermanos huicholes y coras utilizan mucho este tipo de material, pero ellos lo hacen en bordados en blusas, vestidos y pantalones, incluso, en tenis y bolsas de mano… hacen unos trabajos muy hermosos”, explicó.

Su proceso creativo

Su proceso creativo implica un meticuloso trabajo con pequeñas cuentas de chaquira, las cuales son colocadas una a una para formar imágenes detalladas y coloridas. Pacheco Murillo no solo se dedica a la creación de obras, sino que también busca difundir y preservar las técnicas y simbolismos del arte huichol.

En este proceso la apoyan sus hijos Leonel, Luis y Lorenzo, quienes también son artistas plásticos, especializados en el surrealismo e hiperrealismo; ellos se han encargado de apoyarla en esta nueva etapa, pues como bien dice la sra. Lorenza, “nunca es tarde para empezar”.

Dijo que en la creación del boceto sobre el lienzo de madera intervienen sus hijos, luego de elegir una imagen o darles una idea de lo que tiene en mente; posteriormente, con especial cuidado coloca una a una las piezas de chaquira, creando en su mayoría obras en las que los animales o las flores son los protagonistas.

Emociones y raíces

La artista comentó que a través de sus obras quiere transmitir emociones como la alegría y el amor, la belleza de los animales y la naturaleza. “Nayarit es un estado que brinda mucha tranquilidad, así como es mi estado yo quiero transmitir esa tranquilidad en mis obras”, compartió.

Su primera exposición

“A mí lo que me encanta es trabajar la chaquira, es mi pasión”, aseguró la sra Lorenza, quien tuvo en el 2023 su primera exposición individual titulada“Nayarit en Tijuana, mis raíces” en el CEART, la cual constó de 16 piezas. “La titulé así porque es cultura de Nayarit; emigré a Tijuana hace 25 años junto a mi esposo Benjamín y mis cinco hijos”, recordó.

En el 2024, participó en una exposición colectiva en la galería El Lienzo, con la obra de un leopardo y una urraca; posteriormente, exhibió otras obras en la galería Vórtice.

“Mi consejo para otras mujeres es que si desean emprender algo, nunca es tarde para empezar, todo puede ser posible si nos esforzamos al máximo. Yo empecé a los 61 años y me encuentro en una gran etapa de mi vida”, finalizó.

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Facebook: lorepachecoarte

Teléfono: 664 292 69 83